驚鴻一瞥 FUBON ART MUSEUM

趁著慶祝WBC奪勝，美術館免費參觀的最後一天，天氣晴朗，趕緊穿上簡便輕裝，出門來感受一下溫暖的陽光，找尋很久不見的文青滋味。

以下參考富邦官網。「步入永恆」呈現二十世紀三位最具影響力的藝術巨擘—阿爾貝托・賈科梅蒂（Alberto Giacometti，1901–1966）、胡安・米羅（Joan Miró，1893–1983）及亞歷山大・考爾德（Alexander Calder，1898–1976）的代表雕塑作品，其中多數更是首次在台灣展出。

本次展覽展出47件作品，聚焦於三位藝術家二戰後的創作，所有展品來自瑪格基金會，歐洲最重要的現代藝術收藏之一。賈科梅蒂透過觀看距離的探索，創作出纖長而看似脆弱的人像，藉由極簡的形體與拉伸的比例，表現人於空間中的孤獨與存在感；米羅則更全面地投入雕塑，靈感源於日常與自然物件，經由他天馬行空的想像力與出人意表的組合轉化，重新塑造了現實的樣貌；考爾德則持續拓展動態雕塑，同時創作出愈趨龐大的戶外公共雕塑，活化空間並喚起觀者的感知。三位藝術家共同為新時代重新定義了雕塑，拓展其觀眾群，並開啟了與這個不斷變化的世界對話與互動的多元方式。(官網)

阿爾貝托・賈科梅蒂 Alberto Giacometti

賈科梅蒂透過觀看距離的探索，創作出纖長而看似脆弱的人像，藉由極簡的形體與拉伸的比例，表現人於空間中的孤獨與存在感。

「每一秒，人們都在匯聚又分離，他們不斷地彼此靠近、又再次遠離。這樣持續不斷的交錯與變化，構成了極其複雜而鮮活的生命構圖。」

站立，行走，凝視

《行走的人》及《威尼斯女人》承載時空中的脆弱與堅韌，形體彷彿在光中消融，又在空氣中凝聚。

胡安.米羅(Joan Miró)

「我的人物形象與色彩一樣經歷了簡化的過程。如今它們被簡化後，反而更有人性、更有生命。」

雕塑具有米羅標誌性的風格，黃色的臉部、紅色的眼睛以及藍色的基座，展現出奇幻且充滿想像力的視覺效果。

紀念碑《女人，紀念碑》Monument (Femme, Monument) 青銅 Bronze 1970

常玉

富邦典藏展覽分為兩個展間。「常玉」展間與「共鳴」展間。可惜常玉展廳禁止拍照與錄影。

常玉的創作世界：線條、留白、身體與花，在簡約而深刻的畫面當中，慢慢展現他對生命與美的凝視。

常玉的創作大致可分為兩個階段：1920年代末至 1930年代的早期作品，多半色彩輕盈、氣氛恬淡，帶著愉悅與浪漫的情調；而 1940 年代以後，隨著戰爭逼近、至親離世以及經濟困頓，他的畫面逐漸轉向深色，情感也顯得孤寂而蒼茫。

無論是象徵君子品格的菊花與梅花、代表著富貴的牡丹，或具有祝賀意味的吉祥紋樣，都顯現他兼容中國文人畫，與民俗文化的深厚底蘊，這些元素，被巧妙地融入西方靜物與人體素描的畫布之中，讓我們得以看見這位藝術家如何在異鄉，慢慢形成屬於自己的視覺語言。

花卉靜物，是常玉非常重要的一個創作主題，這些題材看似平凡，卻在他的筆下展現出極為鮮明的個人風格。常玉不追求寫實的描繪，而是將物體簡化為線條與色塊，表現整體畫面的平衡感。

《果籃》籃子與水果之間形成一種安靜而穩定的關係，物件彷彿被輕輕地安放在畫面之中。

在花卉主題作品裡，花朵不繁複，常搭配具有中國風格的花瓶或盆栽，使構圖顯得單純而集中。在《白蓮》這件作品裡，蓮花清雅孤立，線條簡練卻充滿力量。花不只是自然中的植物，更像是一種精神象徵，成為了一種沉靜的存在。

進入 1940 年代之後，常玉的色彩逐漸轉向深色，尤其鍾情於如漆器般深沉的黑色背景。在這些作品當中，線條更為簡練，空間感卻更加的遼闊。《青花盆與菊》流露出一種安靜而孤寂的氣氛，也映照出他晚年心情的轉變。

「共鳴：光、愛與色彩的交響」

進入「共鳴」展間，不同時代、不同形式的作品，在此彼此回應，也等待與您產生屬於此刻的連結。也許是一種情緒、一段記憶。希望在這裡，不只是看見作品，也能聽見自己內心，輕輕響起的聲音。

共鳴

「共鳴」以富邦藝術典藏為起點，關注藝術如何在觀看的瞬間，穿越形式與語言，觸動人心深處最細微卻真實的感受。展覽以光、愛與色彩為核心，並進一步延伸至動態與節奏的感知，讓觀看不只是靜止的凝視，而是一段持續發生的經驗。

光並非固定不變的視覺條件，而是透過豐富多樣的媒材與材料被轉化為具有流動感的存在，如樂高積木、蝴蝶、人造鑽石、霓虹燈、黃銅、大漆、大理石、織品與不透明水彩等。光隨著觀者的移動、觀看角度與停留時間而改變，形成節奏、層次與強弱的差異，使作品之間產生如同旋律般的起伏與呼應。這種光的變化，讓空間本身成為一個正在運作的感知場域。

展覽匯聚多位國內外藝術家，包括 Joël Andrianomearisoa 、John Armleder、Georg Baselitz、Damian Elwes 、Shilpa Gupta 、Damien Hirst 、Robert Indiana、Gerhard Richter、Kirstine Roepstorff、江賢二、艾未未、黃光男、薛保瑕、紀嘉華、蘇笑柏與蘇孟鴻。藝術家們透過繪畫、雕塑、裝置、文字與複合媒材，讓光、色彩與形式在空間中形成如同合奏般的關係。

在光的流動、愛的承載與色彩的脈動之中，動態與音樂性成為連結作品與觀者的重要媒介。這不只是一場典藏展，更像是一段正在展開的感知樂章——當觀看尚未化為語言，共鳴已在心中悄然響起。在這場典藏展中，被看見的不只是作品，也包括你我心中正在亮起的那一道光。

融合了漆器工藝的古典形態與數位科技般的當代風格。

當代抽象藝術，強調色彩的表現力與層次感。

德國藝術家 Georg Baselitz 的作品， 2020年創作的系列畫作，展覽主題為「Vedova accendi la luce」（維多瓦，開燈吧）

台灣藝術家蘇孟鴻的作品，《粉花圓》此作品將傳統中國花鳥畫元素轉化為艷俗浮誇的現代符號。 藝術家擅長將傳統imagery 與絹印、雕塑等跨媒材結合。 作品呈現了對東西方工藝歷史重新整合的思考。 作品探索花鳥圖騰在當代通俗文化中的新面貌。

薛保瑕的作品以充滿「動能」與「秩序感」的抽象語彙著稱。她擅長結合壓克力顏料與複合媒材，透過歇斯底里的線條與色塊的對比（如深綠色色塊），引導觀者的目光在畫面上竄動並感受時空的層次。

蘇孟鴻創作的《圓花－2》（Golden Blossoms in Circle）

媒材: 使用壓克力彩與金箔於畫布上。 以黑色背景襯托出圓形的構圖。視覺特色: 畫面中央呈現出精緻的金色花卉與葉片圖案，這些圖案在燈光下閃耀著光芒，營造出強烈的視覺對比與立體感。將傳統中式花鳥圖樣轉化為具有當代感、富麗堂皇的視覺符號，展現花卉與金箔的奢華質感。

聚焦於光影、色彩與內在感知。

英國藝術家達米安・艾爾維斯（Damian Elwes）長年以「藝術家工作室」為創作核心，致力於捕捉創作正在發生、尚未完成的瞬間。