從作品裡，長出自己的方法 —— 廖海廷 n0153m

以打擊樂為起點

廖海廷的出發點是打擊樂。他自幼學習音樂，之後接觸現代音樂，而其中大量以聲音為核心的作品，讓他逐漸對「聲音」本身產生濃厚興趣。真正的轉折來自一群他口中的「壞朋友」：對方丟給他一個空殼，要他把模組合成器「填滿」，他便就此踏入模組世界，並沿著這條線索一路挖掘相關技術與知識。除了正規的音樂訓練，他坦言許多能力都是自學而來，靠土法煉鋼逐步摸索。如今他同時身兼演出者與聲音創作者等多重角色，常用的工具包括：演出時的打擊樂器、最常使用的音樂軟體  Ableton Live、自己蒐集麥克風進行的錄音與田野錄音、模組合成器，以及 Max/MSP 與 Live Coding 等電腦音樂工具。這些工具並非固定組合，而是依每個專案需求重新拼裝，也預告了他整場講座的核心態度：沒有一套能照搬的流程，每個計畫都得重新找方法。

在跨界作品中探索 

第一件《自由遊戲》，前身為《放開你的頭腦》，也是他與合作夥伴結緣的契機。作品源自導演的構想：舞者戴著 VR，以手把操控虛擬世界裡的一顆球，觀眾只要跟著球移動頭與身體，就會不知不覺一起共舞。在高雄電影節版本中，廖海廷以「mixtape」的概念，串接〈Over the Rainbow〉、瑪丹娜〈Vogue〉與國民健康操等大眾耳熟能詳的曲目。他認為找歌不難，難的是讓這些素材串得合理，並與舞者產生互動。作品入圍威尼斯後，因版權考量，部分曲目必須重製，並改用那屋瓦少女隊的歌曲。之後作品受邀至台中歌劇院，從戶外移入黑盒子劇場，票種分成戴 VR 的觀眾與旁觀者，他必須同時服務兩個族群。技術上，舞者的位置資訊透過 OSC 傳入 Ableton，觸發 Drum Rack 中的樂器聲，現場錄下後再送進五組效果器，讓簡單的聲音逐步變形，搭配六顆喇叭組成的簡易環繞音場，routing 相當繁複。

第二件《洞 the whole》，是與編舞家謝杰樺在 CLAB 戶外 DOME 合作的 360 度沉浸式影像與聲音演出，主題圍繞蟲洞、黑洞等太空想像。廖海廷在討論中反問：「身為人類，我們是以什麼角色談論宇宙？」於是加入地球上的場景，並以田野錄音讓觀眾從現實世界的聲響中慢慢聚攏，再一同出發前往外太空。蟲洞、黑洞段落採取有機的生成方式：他只開啟四軌軟體合成器，先設定規則、只控制參數，讓聲音自由運行並全程錄下，後製的挑選與剪輯僅佔約兩成。舞者身上另有感測器，並搭配雷射段落。

第三件《日常身體的即時編程》，源自他對 Live Coding 的著迷。他發現寫程式的本質是對電腦下指令使其發聲，於是反問：如果把指令換成對「人」下達，會發生什麼事？他便與編舞家合作，把這個想法做成一場演出。

點與線的延伸

廖海廷認為，每個專案裡都藏著許多「點」。「遊戲」是一個點，他會聯想到復古的8-bit音色與操控性；「群聚」是另一個點，他聯想到戲劇張力，於是在演出中打開 filter，用尖銳的聲響把張力聽出來。這些點可能來自導演，也可能來自一起工作的夥伴。他要做的，是先把這些點連起來，再連結到自己的工具與聲音語彙上，成為一條「線」。而整個過程只有透過不斷的 Try and Error 才會成形，他自嘲每次都土法煉鋼地亂試，卻也在試錯之中找到屬於該專案的方法。

結語：在試誤中長出方法

廖海廷的分享拆解了一個常見的迷思：創作者未必需要一套可複製的標準流程。他沒有現成的SOP，卻有一套穩定的思考習慣，就是先從導演、舞者與場域中抓出關鍵概念，再把概念翻譯成聲音與工具。與其追求一勞永逸的方法，不如保持願意砍掉重練的彈性，並在一次次試誤中累積屬於自己的判斷力。

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